Das Zeichnen im Tim und Struppi-Stil oder Ligne Claire-Stil ist etwas, auf das sich der Comiczeichner Igor Wolski spezialisiert hat. Der Künstler schreibt und zeichnet, das heißt, wenn er sich hinsetzt, um eine Tafel oder ein Kunstwerk in diesem Tim und Struppi-Stil zu komponieren, hat er immer eine Idee im Kopf. Nachdem das gesagt ist, wird er sein Konzept in Skizzen durcharbeiten, während er geht.
Für dieses Tutorial verwendet Wolski Photoshop und teilt die Tools, Funktionen und den Workflow, den er verwendet. Wenn Sie Photoshop noch nicht kennen, schauen Sie sich unsere umfangreichen 68 brillanten Photoshop-Tutorials an, um die Funktion auszuprobieren, oder laden Sie Photoshop einfach kostenlos herunter und experimentieren Sie.
Das Zeichnen in diesem Stil erfordert viel Planung. „Wenn Sie Informationen in ein Bild packen, müssen Sie darüber nachdenken, wie die Augen des Betrachters darüber wandern, was Pop wird und was sich subtil im Hintergrund versteckt“, sagt Wolski. „Jedes Element kann nur Dekoration sein, kann aber auch eine Information für den Betrachter sein.“
Sie können dem Video folgen oder nach unten scrollen, um Wolskis Schritt-für-Schritt-Prozess im Detail zu lesen…
01. Beginnen Sie mit einer Miniaturskizze
Wenn es darum geht, größere Stücke zu schaffen, ist die richtige Planung der Schlüssel. Sobald ich die Idee habe, beginne ich mit einem Brainstorming mit superschnellen Skizzen, nur um die ursprüngliche Komposition und den Standpunkt zu finden, von dem ich abprallen kann. Es ist fast so, als würde ich in meiner eigenen geheimen Sprache schreiben.
02. Entwickeln Sie das Konzept
Nachdem ich die grobe Komposition gefunden habe, platziere ich sie mit geringer Deckkraft am unteren Rand des Ebenenstapels und füge Details darüber hinzu. Hier plane ich die Position der Charaktere und Objekte. Ich lege auch alles in Form einer Spirale, von der unteren linken Ecke bis zum Charakter in der Mitte.
03. Entwickeln Sie das Storytelling in der Szene
Ich glaube, dass die Geschichte in einer Illustration durch die Ausdrücke und Sichtlinien ihrer Figuren erzählt wird, also überprüfe ich, wohin die Haupt- und Nebenfiguren schauen. Unser Held hat sich in ein Ereignis eingeschlichen und wurde entdeckt, während er den Spotter ansieht, sehen ihn alle anderen an.
04. Verwenden Sie die 5-Punkt-Perspektive
Ich zeichne perspektivische Linien basierend auf meiner Skizze. Ich beginne damit, den Horizont zu identifizieren und dann herauszufinden, wo sich die Mitte meiner Komposition darauf befindet. Von dort füge ich die vertikalen und horizontalen Linien hinzu, indem ich abschätze, wo sie sein sollten, indem ich mir meine Skizze ansehe. Beachten Sie, dass es nicht sehr genau sein muss.
05. Verwenden Sie Modelle und Referenz
Ich versuche, Referenzen so oft wie möglich zu verwenden, um meine visuelle Bibliothek zu erweitern. Für Leute suche ich entweder nur online nach dem, was ich brauche, oder mache ein Video von mir oder meiner Familie. Für Kleidung, Architektur oder andere Objekte füge ich gerne zufällige Online-Funde hinzu, die dafür sorgen, dass etwas Unerwartetes in meiner Kunst landet.
06. Beenden Sie die Skizze
Jetzt beende ich alle Details. Ich mag es, wenn meine Zeichnungen sehr überladen wirken, also versuche ich, niemals an eine Sache als eigenständiges Objekt zu denken, sondern eher als große Klumpen vieler Objekte. Normalerweise erreiche ich dies, indem ich meine Charaktere und Gegenstände immer auf mehreren Ebenen platziere, oft sitzen oder übereinander gestapelt.
07. Drucken Sie die Skizze aus
Da ich einen großen Teil meiner Arbeit immer noch gerne traditionell mache, drucke ich an dieser Stelle die fertige Skizze auf Papier in einer sehr hellblauen Farbe aus. Diese Phase auf Papier durchzuführen, gibt mir keinen Vorteil gegenüber digital – es ist nur meine persönliche Präferenz.
08. Tinte die Linie-Kunst
Für Strichzeichnungen verwende ich Uni PIN Fine Line Black Ink Pens mit einer Größe von 0,05 bis 1,0 mm. Die einzige Regel, die ich hier befolge, ist, dass die Linie umso dicker ist, je näher das Objekt am Betrachter liegt. Wenn ich Fehler mache, werde ich sie später in Photoshop beheben; Ich schreibe gerne kleine Notizen auf die Seite des Papiers, um mich daran zu erinnern.
09. Gehen Sie zurück in Photoshop
Ich scanne das Bild in hoher Auflösung (normalerweise 600 dpi) als Schwarzweiß-Bitmap ein. Dies erzeugt harte, reine schwarze Strichzeichnungen ohne Anti-Aliasing. Es mag rau aussehen, aber es gibt dem Bild ein einzigartiges, kiesiges Gefühl. Als nächstes behebe ich alle Fehler, die ich auf Papier gemacht habe, und folge meinen Notizen.
10. Stellen Sie die Strichzeichnungen und die Farbe ein
Das letzte, was ich vor dem Färben mache, ist, die Linien, die ich färben möchte, von den schwarzen zu trennen, die ich intakt lassen möchte. Dies bedeutet alles im Hintergrund, alle Lichtquellen oder Muster oder alles, was von einer glatteren Linie profitieren würde. Ich wähle die Linien aus, die ich trennen möchte, und lege sie auf verschiedene Ebenen.
11. Gruppieren Sie die Farben
Um zu sehen, ob die ursprüngliche Farbpalette, die ich in meinem Kopf habe, überhaupt funktioniert, teile ich das Bild in große Farbgruppen ein, basierend auf ihrer Position und Rolle in der Illustration. Obwohl ich viele der ursprünglichen Ideen während des Färbungsprozesses ändere, hilft dies sehr, die Klarheit des gesamten Stücks zu verbessern.
12. Wenden Sie die flachen Farben an
Die richtigen Farben zu finden ist immer eine Herausforderung. Ich verwende hauptsächlich flache, einfache Farben ohne Verläufe oder Texturen, um die komplexe Natur der Strichzeichnungen auszugleichen. Besonders bei überfüllten Stücken wie diesem versuche ich, alles in einer ähnlichen Farbpalette zu halten und kontrastierende Farben entweder für die Hauptfiguren oder für Schlüsselobjekte von Interesse zu reservieren.
13. Fügen Sie die Schatten hinzu
Ich erstelle die Schatten als flache Farbe auf einer halbtransparenten Ebene, ohne irgendeine Form von spezieller Farbmischung. Die beste Farbe zum Schattieren ist normalerweise die Farbe auf der gegenüberliegenden Seite des Farbkreises, aber da es nicht immer so einfach ist, muss ich manchmal einfach eine Reihe von Optionen ausprobieren, um zu sehen, was am besten funktioniert.
14. Machen Sie den letzten Schliff
Fast da! An dieser Stelle schaue ich durch das Bild und denke darüber nach, was sonst noch von Last-Minute-Optimierungen profitieren könnte. Dies kann Spezialeffekte, einige Lichtflecken oder tiefere Schatten umfassen. Danach lasse ich das Stück gerne für die Nacht stehen, um es am nächsten Tag noch einmal mit frischen Augen zu betrachten, und fertig!
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